El mismo objeto, ambos representan un toro pero lo hacen de un modo distinto. Uno de modo figurativo y otro de modo abstracto
¿Arte abstracto o figurativo?
En la primera mitad del siglo XIX la pugna entre los pintores seguidores de la línea y del contorno, que basaban su ideal del arte en la realización de un método basado en la imitación exacta de la naturaleza (Ingres y Poussin entre los más representativos), y por contra, los artistas (Delacroix, Géricault....) que pensaban que la mancha, el color y el trazo esbozado, sin la imitación exacta de la naturaleza, era el principal medio para plasmar y hacer llegar al espectador la auténtica esencia de lo representado, constituyó por así decirlo, el primer enfrentamiento o divergencia entre lo que ahora llamamos el arte figurativo y el arte abstracto. Fue, eso si, una primera fase de ésta pugna, ya que los pintores que anteponían este efecto de croquis y esa ausencia de detalles artificiosos continuaban representando la naturaleza con formas reconocibles, no abstractas, pero ya intuían que en el “abandono” de la realidad estaba la verdadera creación artística. Más tarde con el impresionismo estos valores, que había abanderado Delacroix , fueron los auténticos vencedores del nuevo arte que abriría las puertas a las nuevas vanguardias del siglo XX.
Con la llegada de ésta nueva ola de jóvenes pintores surgieron varios movimientos pictóricos: el cubismo, el expresionismo alemán, el fauvismo y el futurismo entre otros. Todos ellos abogaban no sólo por una ruptura con el academicismo de los siglos anteriores, sino que fueron más allá, promoviendo un arte basado en el uso del color y de la perspectiva de una forma absolutamente arbitraria y el motivo servía únicamente de referencia para ser transformado según el criterio estético de cada artista.
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| La gran Odalisca, Ingres, 1814.A pesar de sus deformaciones anatómicas que sorprendieron a sus contemporáneos, la línea y el dibujo, así como el color son fieles al modelo. Un retorno a los manieristas Toscanos del siglo XVI.. |
La libertad guiando al pueblo, Delacroix, 1830. En esta obra se aprecia ya un claro giro hacia el impresionismo y la ruptura de la línea.
Las bañistas, Paul Cézanne, 1895. Alejándose del impresionismo y con su pincelada fragmentada en planos de color, el gran Cézanne abre las puertas del cubismo. La ruptura total con el academicismo ya está en marcha.
Con la llegada de ésta nueva ola de jóvenes pintores surgieron varios movimientos pictóricos: el cubismo, el expresionismo alemán, el fauvismo y el futurismo entre otros. Todos ellos abogaban no sólo por una ruptura con el academicismo de los siglos anteriores, sino que fueron más allá, promoviendo un arte basado en el uso del color y de la perspectiva de una forma absolutamente arbitraria y el motivo servía únicamente de referencia para ser transformado según el criterio estético de cada artista.
Les Demoiselles d'Avignon, Picasso, 1907. El cubismo está en marcha y la deformación de las figuras y de la realidad es muy acusada. Picasso retorna a sus influencias con los primitivos, pero esta obra representa ya un giro hacia el nuevo arte.
Fue entonces, en 1910 cuando Kandinsky, fundador junto a Franz Marc del grupo de expresionistas alemanes, “Der Blaue Reiter”, realiza su primera acuarela abstracta y este mismo año publica “De lo espiritual del arte” sentando las bases del arte abstracto: cualquier representación figurativa perjudica la respuesta del alma con lo cual el artista debe expresarse sin hacer referencia alguna a la naturaleza.
Primera acuarela abstracta, Kandinsky, 1910. La primera obra de Kandinsky en la que los elementos figurativos han desaparecido.
Munich-Schwabing con la Iglesia de Sta. Ursula, Kandinsky, 1908.Aquí podemos apreciar una obra anterior de Kandinsky en la que la abstracción está en camino, pero los elementos del paisaje aun se reconocen con facilidad. Sin embargo en esta obra se puede apreciar el gran conocimiento del oficio de este gran artista.
Vaca amarilla, roja y verde, Franz Marc, 1911. En estas representaciones de la vida animal, el pintor busca la pureza primitiva. Podéis ver que en la obra se reconocen perfectamente las vacas, sin embargo el cuadro se puede mirar también como una abstracción. Una auténtica maravilla en la que ambos estilos, el figurativo y la abstracción se combinan a la perfección.
Vaca amarilla, roja y verde, Franz Marc, 1911. Girando la imagen original se consigue más fácilmente perder la parte figurativa, no ver las vacas, y de esta manera podemos hacernos una idea de la parte más abstracta del cuadro, es decir ver ahora un cuadro abstracto. Se trata de darnos cuenta que el arte figurativo y el arte abstracto, cuando son obras bien compuestas en cuanto a color y forma tienen el mismo valor plástico ¿Veis como la obra girada funciona igualmente a nivel compositivo y sigue siendo atractiva?
Hasta aquí he expuesto un breve resumen histórico sobre el nacimiento y la necesidad del arte abstracto; de esta manera se puede entender mejor como mediante un proceso gradual se introdujo este movimiento formando parte de la historia del arte, pero su aparición, de manera incomprensible, ha supuesto que de forma súbita el arte figurativo haya sido desplazado a un arte de segunda categoría. ¿Es el arte figurativo un arte menor? ¿ Es que no puede conseguirse a través de la representación de la naturaleza emocionar los sentidos con la misma intensidad que con la abstracción ?
La figuración desde un punto de vista creativo, es decir, cuando el artista “abandona”, como nos sugiere Matisse, la realidad para crear un elemento nuevo, tiene para mi una dificultad añadida sobre el arte abstracto, ya que al mismo tiempo que se debe componer en el plano los diferentes elementos con los tonos en armonía, el artista debe también representar un motivo reconocible, y es aquí a mi entender, donde el intelecto y el razonamiento deben estar en su justo equilibrio para alternarlo con la emoción del alma, ya que sino la obra carece de fuerza expresiva. Es por esta razón que muchas obras hiperrealistas, en las que únicamente interviene la técnica y el conocimiento del oficio, copiando de una foto la realidad misma con todo lujo de detalles, cuando la obra pierde todo su valor pictórico.
La música, Matisse, 1939. Vemos aquí como "abandona" Matisse la realidad para crear un elemento nuevo. La armonía de la composición y esa exuberancia de formas y deformaciones hacen que en esta obra se pueda ver claramente la fuerza de la pintura figurativa cuando está realizada con creatividad.
En cuanto al arte abstracto su valor principal reside en que sus resultados son únicamente producto de la imaginación, y por tanto la creación es obra por entero de la emoción, eso sí, cuando hablamos del arte abstracto expresionista que es más gestual y menos razonado que la abstracción más geométrica de por ejemplo Mondrian. La dificultad del arte abstracto nos la explica ya en 1907 el pintor alemán expresionista, August Macke, que sin embargo fue toda su vida pintor figurativo:
“ Toda mi felicidad la busco ahora sólo en los colores puros (...) He intentado componer colores sobre una tabla, sin pensar en objetos como hombres o árboles, parecido a como se hace el bordado. Lo que hace de la música algo tan enigmáticamente bello, tiene también un efecto mágico sobre la pintura. Pero sólo una fuerza sobrehumana es capaz de colocar los colores en un pentagrama como ocurre con las notas. (...) Una sensibilidad infinitamente sutil, puede ordenarlos, sin tener idea de ellos.”
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| Sombrerería, August Macke, 1914. Se puede observar aquí como la abstracción y la figuración descriptiva se fusionan en perfecto equilibrio y de forma natural. |
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Homenaje a Blériot, Robert Delaunay, 1913. El contraste simultáneo de los colores y las formas circulares producen un movimiento de continuo dinamismo... y vaya sinfonía de colores. Esto es buen arte abstracto.
Retrato de Tristan Tzara, Robert Delaunay, 1923. En esta obra posterior de Delaunay, es nuevamente figurativo, pero como siempre en los verdaderos artistas con talento, vemos su absoluto dominio del dibujo y del modelado y siempre de forma creativa y personal. Todos ellos dominaban el oficio de la pintura. Los nuevos "artistas" de vanguardia parece ser que desprecian todo esto... allá ellos.
El 26 de Abril de 1.937 la villa vasca de Guernica fue objeto de un cruel bombardeo por parte de la aviación alemana, que produjo numerosas víctimas inocentes y cuantiosos daños materiales. El hecho se enmarca en el desarrollo de la Guerra Civil española, comenzada el 18 de Julio de 1.936, y que enfrentaba al gobierno de la República, democráticamente elegido, con el ejército rebelde de Franco, sublevado contra el poder legítimo. Mientras los soviéticos de Stalin ayudaron a la República, Franco obtenía abundante ayuda humana y material de la Italia de Mussolini y de la Alemania de Hitler. La aviación de éste último tomó la iniciativa de bombardear Guernica por cuenta propia, sin pedir ningún permiso ni notificarlo a Franco. Los aviones Junker alemanes de la Luftwaffe realizaron un bombardeo-alfombra contra la desprotegida villa. La razón del ataque no podía ser la existencia de depósitos de armas, ni cuarteles o tropas, ni objetivos estratégicos ni que la villa fuese un nudo de comunicaciones. Guernica carecía de cualquier importancia militar o estratégica.
La vergonzosa razón fue probar en fuego real los nuevos aviones y su armamento ante el avecinamiento de la Segunda Guerra Mundial. Para explicar lo inexplicable, Franco en una delirante declaración echó la culpa del ataque a los republicanos que así habrían conseguido una excusa, bombardeando una ciudad de su zona, para poder acusar a los nacionalistas de Franco. Ni que decir tiene que este argumento no fue tomado en consideración por nadie.
El horror que causó este episodio fue muy alto en la opinión pública internacional, no sólo por el sacrificio absurdo de inocentes, sino, sobre todo, por ser la primera vez en la historia en que se atacaba desde el aire una ciudad. En poco tiempo, ciudades inglesas, alemanas y japonesas serían borradas del mapa con ese método.
Este tipo de desastre masacraría a millones de personas inocentes y dispararía la cifra de bajas hasta extremos escandalosos.
Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.
En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.
Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.
Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.
Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora.
Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.
La visita de Picasso a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.
La luz de la lámpara ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos en una escena interior o al aire libre, puesto que la indefinición espacial no nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1.881, muy joven se trasladó a Barcelona y, finalmente se estableció en París.
Pasó por varias etapas estilísticas como el periodo azul, el rosa, el cubista y el surrealismo. Fue un verdadero genio de la pintura universal y un gran innovador, permanentemente indagando en nuevos campos de expresión artística.
Murió el 8 de Abril de 1.973.
